vibrationsmusic.com

Photos: Joël Vacheron

Build an Ark est un projet initié il y a une dizaine d’années par Miguel Atwood-Ferguson et Carlos Niño. Si le barbu s’est déjà fait connaître en Europe grâce à son imposante discographie, et ses programmes radios, la carrière de Miguel Atwood-Ferguson reste encore relativement discrète. Pourtant, à bien des égards, ses diverses collaborations incarnent parfaitement les aspirations cosmiques qui émaillent de nombreuses productions west coast à l’heure actuelle.

Entre deux prises dans le studio improvisé de son appartement de Silver Lake, Miguel Atwood-Ferguson revient de manière laconique le fait qu’il a toujours été impliqué dans le hip-hop et le funk, tout en suivant un cursus rigoureux en musique classique. “Tout cela s’est imposé très naturellement. C’est certainement dû au fait que je suis à moitié blanc et à moitié noir”. Il ne fait aucun doute qu’il serait un prétendant sérieux pour interprêter le rôle de Joe Grant s’il devait y avoir un remake hollywoodien de “J’irais cracher sur vos tombes”.

» LIRE LA SUITE

La lettre postée récemment sur le site du sérieux Waxpoetics aurait pu faire un excellent poisson d’avril. Malheureusement, il est un peu trop tard pour jouer l’effet d’un gag. À lire les éléments énoncés par un certain John Smith, on pencherait plutôt du côté des théories du complot ou d’un bel exercice d’écriture créative.

Les faits se déroulent début 1991, lorsque l’auteur anonyme, qui travaillait comme “decision maker” dans un gros label, était convié à une discussion très spéciale quant à l’avenir du hip-hop. À tel point que, selon lui, cette rencontre constitue le “plus grand tournant dans les musiques populaires et, en dernière instance, dans l’histoire américaine contemporaine”. Rien que ça.

Le thème, très simple, ne manque en effet pas d’intriguer. Pour faire court, les convives, officiant dans diverses maisons de disques influentes, apprenaient que leurs firmes avaient investi massivement dans des établissements pénitenciers privés. Du même coup, histoire de remplir un peu les cellules et les caisses, ces faiseurs d’opinions auraient été invités à promouvoir des groupes faisant l’apologie des comportements criminels.

Les années qui suivirent, la violence, la drogue et la sexualité hypermachistes devenaient les thèmes de prédilection du gangsta rap, tout en encourageant les antagonismes et les stéréotypes raciaux. Il s’agit très certainement d’un hoax, mais les questions abordées sont suffisamment intriguantes pour alimenter des discussions enflammées. Quoi qu’il en soit, Hollywood possède une scenario parfait pour un futur long métrage agrémenté d’une méchante BO.

» LIRE LA LETTRE

A l’occasion des célébrations du 11 Septembre, voici un petit florilège de morceaux utilisés par l’armée américaine dans le cadre de tortures psycholologiques.

‘Without the loudspeaker, we would never have conquered Germany’.
- Adolph Hitler, «Manual of German Radio», 1938

Depuis quelques années la musique, en particulier des productions populaires, a été intégrée de manière toujours plus persistant en tant qu’instruments de torture par l’armée américaine. De Panama au Moyen-Orient, ces pratiques s’inscrivent dans un programme plus vaste dénommé “Psychological Operations” dont l’objectif est d’influencer les comportements d’individus ou d’instances d’une culture étrangère.

L’étendue et l’impact de ces pratiques restent encore difficilement mesurables. Certaines initiatives, c’est le cas notamment de l’association Zero dB: Against Music Torture ou de l’ouvrage de Steve Goodman, se sont engagées à alerter l’opinion publique sur ce problème. A travers la sélection des morceaux composant « PSYOP : An Anthology »*, il est possible de revenir sur les diverses procédures qui permettent de transformer une simple comptine en un véritable supplice.

» LIRE LA SUITE

Tags: psyop

L’année 1976 à Londres a largement été marquée par la chaleur et la sécheresse exceptionnelles qui ont provoqué la plus grande canicule de l’histoire britannique. Saisi par cette moiteur inhabituelle, le carnaval de Notting Hill se termine par une énorme émeute suite à une altercation entre des jeunes locaux et des policiers. L’événement, souvent dénommé “Ladbroke Grove Riot”, fera plus de 200 blessés. Parmi les protestataires, on retrouve Joe Strummer et Paul Simonon qui traduiront cet épisode dans White Riot qui invite les jeunes blancs à trouver, tout comme les afro-britannique, une cause commune à leur rébellion. Cette même année, le mouvement punk atteint son apogée, transformant les aspirations musicales situationnistes de McLaren en un véritable phénomène de masse.

C’est dans ce contexte que John MacGillivray et Chris Lane commencent l’épopée Dub Vendor en tenant, tous les samedis, un stand dans un marché de Clapham Junction puis, une année plus tard, en ouvrant leur premier magasin à Peckham. Très vite reconnus comme des spécialistes en matière d’imports jamaïcains, ils proposent très tôt un service de vente par correspondance qui s’imposera comme une référence incontournable. Le duo inaugure Dub Vendor Record Shack sur Ladbroke Grove, lance le label Fashion Records qui connaît d’emblée un très large succès, avant que John, désormais seul aux commandes, installe une autre branche à Clapham Junction en 1982.

Smiley Culture, Police Officer (1984)

Du roots au dancehall, Dub Vendor a évolué au fil des changements rapides des musiques jamaïcaines, produisant dans le même temps un grand nombre d’artistes du cru. En particulier, les hits Cockney Translation et Police Officer de Smiley Culture, deux titres historiques qui sont à l’origine de la scène ragga britannique. À noter que la mort suspecte du chanteur il y a quelques mois, il se serait suicidé lors d’une descente de police à son domicile, a suscité une telle émotion que le cas s’est transformé en un véritable mouvement à l’encontre des violences policières.

Malgré la fermeture de la branche du mythique Record Shack en 2008, Dub Vendor a su conserver son statut de référence 35 ans après sa création. Toutefois, cette année de commémoration a bien failli être rattrapée par l’actualité. En effet, de nombreux magasins de Clapham Junction ont subi des dommages très importants lors de la première nuit des émeutes londoniennes. A la différence de PIAS Distribution, les flammes qui ont ravagé le local adjacent sur Lavender Hill ont miraculeusement épargné le temple du reggae, les dégâts étant minimes. On a vraiment eu chaud et il ne fait aucun doute que la soirée d’anniversaire agendée le 2 septembre aura une saveur toute particulière.

Grâce à son retour inespéré avec “I’m New Here”, Gil Scott-Heron nous avait gratifié d’un des plus beaux albums de l’an dernier, ainsi qu’une démonstration magnifique de son génie inaltéré. Nous allons revenir en détail sur la carrière du poète qui nous a quitté aujourd’hui à l’âge de 62 ans. En attendant revoici la chronique d’un concert donné en mai dernier.

L’architecture moderniste austère de L’Aula Magna de Lisbonne constitue un souvenir imposant de la dictature de Salazar. On pourrait imaginer un décor moins connoté pour accueillir un illustre pourfendeur des dérives despotiques. Casquette rivée, silhouette élancée, costume étriqué, Gil Scott-Heron débarque, seul, avec la démarche nonchalante d’un coureur de demi-fond. Avant même d’avoir prononcé le moindre mot, le public est déjà debout, honorant cette apparition longuement espérée.

Fidèle à son habitude, il entame le concert avec quelques anecdotes pleines d’esprit et de malice. Avec son talent de conteur, il revient en particulier sur les diverses contingences, généralement administratives ou juridiques, qui ont contrarié ses venues en Europe depuis plus d’une quinzaine d’années. “J’ai déjà tout eu, mais cette fois-ci, ils ont fait encore plus fort”, déclare-t-il avec éloquence, “ils m’ont balancé un nuage volcanique!”. Puis il ajoute, à propos de son retour et de l’impact médiatique occasionné par “I’m New Here” . “J’ai appris quelque chose d’essentiel sur moi-même grâce à la sortie de cet album. En vérité pendant toutes ses années, j’avais disparu! C’est incroyable, j’ignorais que je possédais un don de disparition. Je préfère vous prévenir, au cas où vous ne me verriez plus sur scène pendant le concert”. Nul doute, GSH c’est du charisme et de l’intelligence à l’état brut.

Il reste encore à voir si sa voix a conservé la finesse de son esprit. Il s’assied derrière son vieux Fender Rhodes pour entamer Blue Collar, un titre extrait de l’album “Moving Target” (1982). I been down in New York City, that ain’t no place to be down / I have been lookin’ at the faces of children, you see we’re lookin’ for higher ground /You can’t name where I ain’t been down/‘Cause there ain’t no place I ain’t been down. Si quelqu’un devait douter de l’esprit visionnaire du vieux trickster, ce titre prophétique efface tous malentendus. Un groove minimal emplit immédiatement l’espace et sa voix basse semble avoir encore gagné en profondeur, comme bonifiée par les goulées de bourbon, les bouffées de malback et quelques extras moins licites.

Ses musiciens le rejoingnent sur scène pendant le touchant “Winter in America”. On retrouve des vieux compagnons de route du “Amnesia Express” et “The Midnight Band”. Il y a Tony Duncanson au Congas, Glen Astro Turner à l’harmonica qui, pour l’occasion, a cédé sa place à une énergique pianiste, dont le nom m’a échappé, qui nous a gratifié d’un morceau jazz rock bien allumé en milieu de concert. L’absence du saxophoniste Brian Settles constituera le seul petit regret de la soirée. Peu importe, le concert décolle et nous avec. We Almost Lost Detroit, Pieces of a Man, “Be Safe, Be Free, Be Strong”, les titres s’enchaînent avec la même intensité, toujours entrecoupés par des petites histoires dont seul GSH a le secret.

C’est le cas par exemple de son interprétation rocambolesque de l’origine du mot “jazz”, à travers laquelle il introduit un “Is That Jazz” enfiévré dans lequel la pianiste se lâche corps et âme. Unique titre du dernier album, la très belle adaptation de “I’ll Take Care of You” témoigne de l’atemporalité dans son message. Un peu plus tard, il profite d’un long solo de percussion pendant “The Bootle”, pour entamer quelque pas de danse. Souriant et d’une décontraction contagieuse, tout son être laisse transparaître le bonheur que lui procure cette tournée. Après deux rappels providentiels, le public en redemande encore! Trop tard, cette fois-ci, il a bel et bien disparu.

Lire également

• GSH: Une oeuvre au noir
• GSH: Une tranche de vie
• GSH: Maison blanche, voix noire

Gil Scott-Heron, Me And The Devil, “I’m New Here”

Tags: RIP, Gil Scott Heron

Quel est le point commun entre Alexandre Soljenitsyne et les Daleks de Dr Who, Winston Churchill et le Pack Jam’s des Jonzun Crew ou encore Joseph Staline et Milli Vanilli ? Le journaliste Dave Tompkins répond à la question dans un livre au titre crypté

Du discours politique à la rengaine disco, ils ont tous eu recours à un moment ou l’autre à un vocodeur pour diffuser leurs messages. C’est en grande partie ces relations insoupçonnées que Dave Tompkins s’est employé à relever dans son ouvrage “How to Wreck a Nice Beach : The Vocoder from World War II to Hip-hop“. Bien avant de permettre aux chanteurs d’avoir une voix machinique, le vocodeur répondait à des finalités beaucoup plus prosaïques. Lancée sur le marché en 1939 par la firme AT&T, cette technologie de synthèse vocale visait à optimiser les conversations téléphoniques. En partie pour réduire le coût des appels longue distance, mais surtout pour offrir un mode de télécommunications suffisamment cryptées, le nom est une contraction de voice coder, pour ne pas être interceptées par les forces ennemies.

Invité par le magazine Wire pour faire une conférence au mythique Café Oto de Dalston, une foule compacte s’est déplacée pour suivre ce cours magistral d’histoire contemporaine. Sourcils fournis et la répartie aussi précise que son écriture, il impose d’emblée le style fresh qui colle à son sujet fondamentalement oblique. En s’appuyant sur de nombreuses sources sonores et visuelles, le journaliste américain fait ressurgir toute une pluralité de voix synthétiques qui nous permettent de porter un regard rafraîchissant sur des courants plutôt obscurs du XXe siècle. L’origine de cette nouvelle forme d’élocution découle du désir de pouvoir réduire, et recomposer, la parole à ses composants élémentaires. Cette voix robotique triturée était qualifiée comme une “distorsion acceptable pour assurer la sécurité” par un des ingénieurs à l’origine du projet.

» LIRE LA SUITE DE L’ARTICLE

Tags: vocoder, Dave Tompkins

Le Montreux Jazz Festival a mandaté l’artiste Francis Baudevin pour réaliser l’affiche de sa 45e édition. Un nombre particulièrement évocateur pour ce collectionneur de vinyles invétéré qui s’est directement inspiré de l’objet 45 tours pour composer cette oeuvre intitulée “45 éditions, 45 tours, 45 degrés”. En parallèle à ses recherches formelles sur les pochettes, Francis Baudevin opère également un renvoi sur l’histoire du festival. Cette abstraction en quatre plans géométriques faisant explicitement référence à l’affiche de Max Bill pour la 25e édition.

Francis Baudevin, en collaboration avec le journaliste Emmanuel Grandjean, officie de longue date au magazine Vibrations à travers sa rubrique un Disque par sa pochette. Chaque mois, il puise dans sa vaste collection afin de faire ressortir les innombrables associations qui s’établissent entre des musiques et leurs transcriptions graphiques. Selon lui, “la musique est avant tout une source d’information. À travers elle, je m’intéresse à certaines évolutions esthétiques et réalise que mes intuitions me guident vers des univers qui ont encore un pouvoir attractif d’inventivité. Je me tourne naturellement vers des musiques qui innovent.”

À ce titre, la chronique publiée dans la dernière édition semble également fournir quelques indices sur les origines de sa réalisation pour le MJF. Il s’agit d’une oeuvre de Roy Lichtenstein utilisée pour illustrer un enregistrement de “The Four Sections” de Steve Reich interprétée par le London Symphony orchestra. Celle-ci se présente sous la forme de quatre carrés représentant, “les quatre sections instrumentales d’un orchestre symphonique”. A savoir, un procédé graphique qui permet de distinguer facilement les cordes, les cuivres, les bois et les percussions”. L’affiche de ce 45e est moins littérale mais, certains y voyant même des trous de fromage, il semblerait que chacun pourra y trouver un air à sa mesure.

Tags: montreux jazz festival, francis baudevin

Né à Beyrouth dans une famille de musiciens, Bachar Mar-Khalifé vit en France depuis l’âge de six ans. Après une formation classique au Conservatoire de Boulogne, il a enchaîné diverses collaborations oscillant entre le jazz, la world musique et les expérimentations électroniques. De l’Orchestre National de France à Bojan Z, en passant par les projets live expérimentaux de Francesco Tristano, on retrouve ces influences multiples dans son premier album, “Oil Slick”

Entre la relecture d’une comptine d’enfance ou la récitation métallique d’une lettre de repentance, Bachar Mar-Khalifé explore les flux et les reflux de l’âme, sans chercher à en esquiver les plus sombres. Six petites chroniques délicates qui déroulent une narration à tel point homogène qu’il est difficile d’en distinguer les parties. On repense à “L’Homme à Tête de Choux” ou à d’autres projets qui possèdent un pouvoir d’évocation à tel point remarquable qu’ils troublent en permanence les barrières entre le conte, le film et la résurgence de souvenirs très personnels.

ALBUM

• Bachar Mar-Khalifé, Distance, “Oil Slick” (2010)

Bachar Mar-Khalifé, Distance, “Oil Slick” (2010)

Tags: Bachar Mar Khalife, oil slick

Depuis quelques années, Chris Watson est plongé dans des environnements qui tranchent radicalement avec les ambiances enfumées des salles de concert de Manchester au temps où il opérait encore au sein de Cabaret Voltaire. Reconverti dans les installations sonores et la sonorisation de documentaires, en particulier pour la série magistrale de Sir David Attenborough, ce sont désormais les sons naturels les plus inouïs qu’il traque aux quatre coins du globe. Son but consiste en effet de placer son micro là où les oreilles ne peuvent pas aller.

Avec son installation “Whispering in the Leaves”, il s’offrait un décor acoustique particulièrement adapté à son activité de chasseurs de sons. Plantée au milieu du Royal Botanic Garden de Kew , la Palm House se profile à l’horizon tel un immense sous-marin futuriste. Au-delà du spectacle de cette construction historique, c’est surtout le choc thermique qui frappe d’emblée les visiteurs une fois le seuil franchi. Bouffées d’air saturées d’humidité, il est nécessaire de marquer un petit temps d’acclimatation, en particulier de nettoyer la buée recouvrant les lunettes, avant de pouvoir pleinement se plonger dans la végétation luxuriante qui submerge cet univers de verres et de fer forgé.

La pièce n’a pas encore commencé et l’attention ne manque pas d’être attirée par les différents bruits occasionnés par les visiteurs déambulant dans les allées, les cris d’enfants ou les directives de quelques employés. Le sifflement lointain d’un oiseau s’élève. D’abord presque imperceptible, il se fait toujours plus animé. La serre est progressivement envahie par un bouillonnement invisible composé de bruissements de feuilles, de piaillements ou de bourdonnements qui semblent surgir de toutes parts.

Comme un réflexe, on scrute les arbres et les recoins pour tenter de découvrir d’où peuvent provenir ces signes de vie animale d’une qualité exceptionnelle. Une situation incertaine qui génère un regard totalement différent de cet environnement. Les sons furtifs se répartissent de manière particulièrement harmonieuse. Ils soumettent le lieu tout en entier aux battements impromptus de la jungle. Un orage menaçant éclate, et même encapsulé et ordonné dans cette serre, l’imminence des pluies tropicales s’impose avec un réalisme confondant.

Après une vingtaine de minutes, le brouhaha se fait moindre. On entend encore quelques bourdonnements d’insectes, toujours plus épars, avant d’être replonger l’espace acoustique routinier de cet endroit qui, d’un seul coup, apparaît beaucoup plus terne.

Tags: chris watson

Photos: Tanya Traboulsi

Cela fait trop longtemps que Beyrouth est déchirée par les aberrations hégémoniques qui taraudent le Moyen-Orient. Une chape pesante, obsédante, qui a largement contribué à occulter les diverses mouvances musicales qui, parallèlement aux canons de l’actualité, se sont répandues dans la ville durant ces dernières années. En se concentrant essentiellement sur les dix dernières années, “Untitled Tracks: On Alternative Music in Beirut” constitue une contribution essentielle pour pérenniser ce pan d’histoire interstitiel. On y retrouve toute une gamme d’échappatoires, aussi bien physiques que symboliques, qui ont agis comme des sas de décompression nécessaires pour infléchir l’imminence des diktats géo-politiques.

Cette publication se présente sous la forme d’une collection de textes, réunis par Ziad Nawfal et Ghalya Saadawi, et d’une sélection de photographies de Tanya Traboulsi extraites de son abondante série “Music is Life”. Comme saisie par l’urgence qui guide les situations transitoires, la photographe semble être encouragée par le désir de documenter le plus exhaustivement possible les lieux, les protagonistes et les divers moments qui ont contribué à façonner les scènes de la ville. On y découvre des figures aussi diverses que l’expérimental Tarek Atoui, le rapper RGB, les chanteuses Youmna Saba, Nadie Khouri ou Rima Ksheish.

Une place particulière est accordée au groupe de trip-hop The Soapkills dont les mélodies mélancoliques hantaient le paysage sonore libanais de l’après-guerre. Initié en 1996 autour du producteur Zeid Hamdan et de la chanteuse Yasmine Hamdan, le groupe s’est fait connaître au début des années 2000 grâce aux succès rencontrés par “Bater” et “Cheftak” et s’est rapidement imposé comme une pierre angulaire de la scène alternative. Le groupe se sépare en 2006 après le départ de Yasmine pour la France. Zeid Hamdan participa à la formation de nombreux projets, en particulier de l’influent trio The New Government aux côtés de Jérémie et Timothé Régnier. De son côté, Yasmine a récemment collaboré avec Mirwais sur le projet “Arabölogy” (2009). Toutefois, l’influence de The Soapkills ne cesse de se faire ressentir. En grande partie car, comme le souligne Rayya Badran, “leur musique fluctuait en fonction des perpétuelles destructions et reconstructions, tout en présentant un inévitable sentiment d’étrangeté. Ils captaient dans un même moment les mutations musicales et urbaines, tout en injectant du chaos dans leur console”.

S’il est difficile de ressortir une esthétique spécifique à cette présentation bigarrée, il s’en dégage néanmoins une atmosphère particulière qui retranscrit les expectations et les questions polymorphes qui taraudent cette génération intermédiaire. De manière subtile et intelligente, ces contributions variées se présentent comme autant de réponses aux interrogations posées par Ghalya Saadawi en introduction: “De quelles manières est-il possible de témoigner des guerres et des traumas ? Comment considérer différentes notions associées à des lieux ou à la géographie et qu’est-ce que des terminologies telles que Liban ou Moyen-Orient signifient ?”. Une manière, peut-être, d’entendre sous des formes métaphorisées les échos de la guerre civile. “Untitled Tracks: On Alternative Music in Beirut” constitue ainsi un témoignage particulièrement éloquent du potentiel actuel des sons, organisés ou non, en tant que vecteurs de résistance.

LIVRE

• Tanya Traboulsi, “Untitled Tracks: On Alternative Music in Beirut”, Edité par Ziad Nawfal et Ghalya Saadawi, Amers Editions

Tags: untitled tracks, tanya, traboulsi, ziad nawfal, ghalya saadawi

Né dans le Queens en 1960, Rammellzee s’est tout d’abord fait connaître comme l’un des pionniers du graffiti à New York à partir du milieu des années 70. À l’instar des autres membres du Death Comet Crew, - Dondi, OU3, Doctor Revolt -, il commença rapidement à présenter ses travaux dans des galeries d’art contemporain et des musées. On retrouve également ses dessins sur certaines pochettes du label Mo’Wax.

Sa pratique l’a incité à développer la théorie du Gothic Futurism, à travers laquelle il envisageait l’art du graffiti comme une machine de guerre dans laquelle les lettres et leur force symbolique se battent contre les effets de standardisation. Rammelzee préconisait un programme anarchique, dénommé “Iconic Panzerism”, qui permettait de réformer le rôle et la dispersion du langage dans la société.

Rammellzee prônait des relectures idyosyncratiques qui combinaient aussi bien le dessin, la sculpture, les performances artistiques, la littérature, la poésie, les théoriques scientifiques, etc. Ce fonctionnement chaotique formait des “horreurs intellectuelles”, un horizon schizophrénique qui, selon lui, devait procurer des “stocks de futurs”, largement déterminés par des stratégies militaires.

Dans le film “Wild Style” (1982), il apparaît en tant que MC avec un style nasal, qu’il dénomme le “Gangsta Duck”, qui aurait par la suite inspiré les The Beastie Boys et Cypress Hill. En 1983, il enregistre un maxi intitulé “Beat Bop”, produit par un certain Jean-Michel Basquiat, qui sera largement popularisé à travers le film “Wild Style”.

Rammelzee est décédé le 29 juin 2010, les causes de sa mort ne sont pas encore déterminées.

Rammelzee vs K Rob “beat bop” (1982)

Rammellzee, on the evolution of the letter (Style Wars)

Death Comet Crew au festival Electrochoc
Uploaded by RECmag. - Watch more music videos, in HD!

Tags: new york, hip hop, rammellzee, rip

The Scene était diffusé de 1975 à 1981 sur WGPR-TV, une chaîne de télévision de Detroit qui a fût la première intégralement contrôlée par des Afro-Américains. Le show est resté célèbre pour avoir reformulé le format de l’émission musicale, notamment en invitant le public à danser, et en jouant un rôle majeur dans la popularisation de la musique Techno dans la ville.

Présenté par Nat Morris et diffusé juste après les cours, toute l’attention des téléspectateurs était concentrée sur les danseurs qui, en l’espace d’une émission, pouvaient accéder au statut de véritables stars locales. Malgré son énorme succès dans la ville, l’émission n’a jamais été diffusée sur d’autres canaux. Certains artistes, comme Juan Atkins sous le nom de Model 500, ou certains titres, comme le Sharevari, qui servait de générique à l’émission, sont par la suite devenus des classiques.

A Number of Names, Sharevari (The Scene, 1981)

Jesse “The Body”, Scene Mix (The Scene, 1981)

Tags: detroit, techno, the scene

Stan Warnow a finalement terminé le documentaire dédié à son père. Surnommé par certains la « version audio d’Andy Warhol», la carrière de Raymond Scott a les allures du personnage de roman. Une vision monophonique nuancée par son fils dans “Deconstructing Dad: The Music, Machines and Mystery of Raymond Scott”, un portrait intimiste qui révèle les travers humain de cette trajectoire de génie.

Scott a débuté sa carrière musicale au milieu des années 30 par l’entremise de son orchestre. Avec son style rapide et très imagé, The Raymond Scott Quintette connaîtra un succès quasi instantané. Appelé à Hollywood, il est mandaté Warner pour composer des BO de films et de dessins animés classiques tels que Bugs Bunny, Road Runner ou Wily Coyote. Bip bip.

Cette expérience le pousse à s’intéresser de plus en plus aux bruitages. A partir des années 50, Scott fonde le Manhattan Research inc. et profite de ses compétences d’ingénieurs pour développer ou perfectionner des instruments inédits. Qu’il s’agisse de mandats publicitaires ou de compositions électroacoustiques, Scott va composer un univers sonore totalement unique.

Pendant près d’une vingtaine d’années, il va ainsi endosser le rôle de savant fou en créant toute une gamme de nouvelles machines permettant de composer des sons largement en avance sur leur temps. C’est le cas notamment de son Electronium que Berry Gordy s’était procurer pour agrémenter les sessions Motown. Cela a valu à Scott de travailler pour le label pendant plusieurs années en tant que Directeur du département de recherche en musiques électroniques.

FILM

• “Deconstructing Dad: The Music, Machines and Mystery of Raymond Scott”, Stan Warnow, USA, 2009, color / black and white, HD, 97 min
  
  
  Raymond Scott, publicité pour Nescafé (1960)

Tags: Deconstructing Dad, The Music Machines and Mystery of Raymond Scott

Le clip récemment réalisé par Doctor L pour le morceau Africa de David Murray & The Gwo-ka est composé intégralement à partir des dessins de Emory Douglas. Une occasion pour revenir sur l’oeuvre révolutionnaire de celui qui, un temps, portait le titre de Ministre de la Culture du Black Panther Party.

Dans les faits, ce poste a consisté à assurer l’intégralité des orientations esthétiques du parti jusqu’à sa dissolution à la fin des années 70. Pendant près d’une vingtaine d’années, Douglas a ainsi produit une vaste quantité d’illustrations qui, de la carte postale aux sculptures, servaient de supports de propagande variés.

Les travaux de Douglas ont récemment fait l’objet de rétrospectives à Los Angeles et au New Museum de New York. Son imagerie accompagnera également “Tongues on Fires” dans le cadre de Jazz à la Villette le 12 septembre 2010. Un spectacle musical autour des Panthers monté par David Murray et dans lequel on retrouvera The Roots et The Last Poets.

CONCERT

• 06.04.10 David Murray & The Gwo-ka au Banlieues Bleues - Espace 1789 / Saint-Ouen

David Murray & The Gwo Ka Masters, Africa, feat. Taj Mahal (David Murray / Emory Douglas / Doctor L)

Tags: emory douglas, black panther, africa, Tongues on Fires

A travers leur garage burlesque, Monotonix malmène le mythe de la rock star

En introduisant le jeté de guitare, le tourniquet de micro, le plongeon dans la foule, l’escalade d’enceintes, toute une succession de rock stars ont joués dans la surenchère olympique en matière de performances scéniques. On croyait ces exubérances physiques désormais cantonnées à quelques grabataires récalcitrants, toujours prêts à singer leurs déhanchements fatigués.

Heureusement, grâce à quelques rasades de potion magique, Monotonix s’est engagé à redresser au plus haut la fierté déchue de la Rock Star. Ces freak brothers exacerbent les complaisances rock’n'roll dans des performances ubuesques qui ressemblent à Spinal Tap avec un épigone chevelu de Borat au micro et aux cascades.

En le voyant s’exhiber, s’élancer ou grimper, on retient son souffle de peur de le voir lamentablement s’éclater. Toutefois, en revoyant le concert de Villette Sonique, on s’aperçoit que Levi “Ha Haziz” (Yomtov) Elvis sait être roublard lorsqu’il s’agit de s’attirer les faveurs d’un directeur de festival. Monotonix offre une nouvelle occasion de répéter que Chic-a-Go-Go est définitivement une émission pour enfants très rock’n'roll.

CONCERTS

• 24.11.09 Rennes / Antipode

• 08.12.09 Paris / Point Ephemere (avec Neon Indian et Bonjour Afrique)

• 09.12.09 Reims / La Cartonnerie

• 10.12.09 Fribourg / La Transformateur

• 15.12.09 L’usine (Kab) / Genève

SITE

• MySpace

Monotonix dans l’émission Chic-a-Go-Go

Tags: israel, monotonix, point ephemere, chic A Go Go

Une rétrospective sur l’artiste américaine se tient actuellement au MCBA de Lausanne

Cela fait plus de 20 ans que l’artiste américaine explore les enjeux identitaires contemporains en opérant des va-et-vient entre ses expériences personnelles et des documents de la mémoire collective. “Aux procédés artistiques hérités de l’art conceptuel”, comme le souligne la commissaire de l’exposition Nicole Schweizer, “Renée Green allie des réflexions issues de la critique postcoloniale pour explorer la place du sujet dans l’histoire et aborder la question des identités et de leurs possibles fluctuations”.

En présentant ses allégories du voyage ou ses interrogations taxinomiques, sémantiques ou graphiques, la rétrospective du MCBA de Lausanne présente un panorama exhaustif des axes de recherches à partir desquels Renée Green parvient à construire cette généalogie anachronique.

L’approche de Renée Green, dont le frère Derrick n’est autre que le guitariste et chanteur de Sepultura, est également marquée par la place occupée par la musique et les sons. En particulier, à travers la série de documentaires qui composent “Wavelinks“. Présentée lors des expositions Sonic Process du Centre Pompidou (2002) et au Sonar festival de Barcelone (2004), cette installation est composée de 7 petites unités octogonales munies chacune d’une vidéo sur moniteur et d’écouteurs.

Sur un total de près de 50 heures d’interviews filmés, des artistes, des théoriciens ou des activistes tendent de circonscrire quelle est la portée des sons, organisés ou non, dans notre perception de la réalité. Des personalités comme Christian Marclay, DJ Spooky ou le critique Diedrich Diedrichsen explorent les arcanes de la musique électronique et s’interrrogent sur la capacité du son à créer des “points de contact ” entre des individus ou des lieux.

EXPOSITION

• Renée Green, “Ongoing Becomings: Rétrospective 1989 - 2009″, jusqu’au 3 janvier 2010

SITE

• Site du MCBA

Tags: USA, art, renee green, MCBA, Lausanne, ongoing becomings